Como músico, Max Jaffe explora as vastas texturas sônicas que guardam semelhança com o livre-improviso do jazz, mas partem pros terrenos da chamada “música contemporânea”, encontrando ruídos em vários espectros sonoros, especialmente na música eletrônica. Depois do excelente trabalho com o coletivo musical JOBS (ouça aqui), Jaffe lançou um recente disco solo, “Giant Beat”. Nele, Max experimentou uma nova ferramenta, a Sensory Percussion (ele é um “experimentador beta”, conheça aqui). O resultado gerado foi um encontro fluído entre sons que só poderiam existir em 2019 e a conexão deles como uma extensão teórica-prática de muitos exercícios, que conjuram numa impressionante paisagem sonora.
Aqui, um bate-papo sobre como a tecnologia afeta a criação e a execução, além da percepção do público. “A escuta profunda de momento a momento exigida de um bom improvisador certamente me ajudou quando eu estava acompanhando essas músicas por conta própria. Alguém me disse em um show, recentemente, que meu set era ‘música de 2019’, e isso me deixou feliz. Há muitas pessoas e bandas por aí que estão claramente fazendo algo que faz referência a uma era anterior, e eu estou mais preocupado em fazer músicas que só poderiam existir agora”, diz, muito ancorado no vislumbramento e prática que novas ferramentas proporcionam ao artista nos dias atuais.
Max Jaffe é um exemplo pulsante de que a música (e a arte) é um organismo vivo em constante mutação.
Floga-se: Quais foram os primeiros discos completamente orientados pela bateria que você ouviu e como você acha que eles, de alguma forma, se encaixam nas novas coisas que você está criando?
MAX JAFFE: Bem, primeiro, obrigado por me enviar estas perguntas! Estou muito feliz que alguém no Brasil saiba da minha música e esteja interessado o suficiente pra querer saber mais sobre a pessoa que fez isso! Quanto a essa pergunta, se eu entendi direito, não ouvi um álbum solo apropriado até estar na faculdade e entrei no bebop, Max Roach e Jo Jones. Quando eu estava aprendendo a tocar bateria, quando criança, só queria saber do solo de bateria de “Moby Dick”, do Led Zeppelin, a performance de Keith Moon em “Who’s Next”, coisas animalescas como essa. Eu gostava principalmente de rock e punk quando era criança, então não fui exposto a muitos bateristas que eram vistos como artistas solo sérios até que ouvi Max Roach e Tony Williams, que não apenas lideravam grupos que mudavam o jogo, mas gravavam inacreditavelmente peças de música convincentes usando apenas bateria. Na época em que passei a ouvir esses caras em suas árvores genealógicas musicais, também estava entrando na eletrônica e no drum’n’bass – principalmente Squarepusher, Venetian Snares, Aphex Twin, coisas assim. Bateria de alta energia, incrivelmente louca, essencialmente. Comecei a tentar tocar aquilo assim que o ouvi, e colaborei com DJs mais ou menos na mesma época em que aprendi mais sobre jazz. Então, do ponto de vista de percussão, essas coisas estão funcionando há algum tempo. Eu acho que “Sensory Percussion” tornou possível pra eu ir ainda mais longe em ambas as direções de uma só vez, se isso faz sentido.
F-se: Você pode, por favor, dizer como é trabalhar com a Sensory Percussion e como essa ferramenta ajudou você a explorar o conceito de “Giant Beat”?
MJ: Sensory foi revolucionária pra mim, criativamente falando. O “conceito ‘Giant Beat'”, como você diz, simplesmente não existiria se eu não tivesse começado a trabalhar com o Sensory Percussion. A música do álbum surgiu através de certas limitações técnicas, bem como limitações conceituais. Ao fazer o disco, eu sempre tive que garantir que cada decisão tivesse uma justificativa musical e não fosse simplesmente feita ao acaso. Muitas das minhas primeiras tentativas de fazer música solo pra Sensory Percussion foram prejudicadas por um certo entusiasmo em como os sons estavam sendo feitos, e não o que eles eram ou se soavam bem juntos. Outra limitação começou sendo técnica e tornou-se conceitual. Quando obtive o Sensory pela primeira vez, tinha muito pouco uso dos recursos MIDI do Sensory Percussion, então fiz a música baseada em samples ao invés disso. Por causa disso, mergulhei em um arquivo de gravações que acumulei ao longo de dez anos tocando e fazendo discos com diferentes bandas. Todas essas hastes vocais e clarinetes etc. de bandas antigas que estavam apenas no meu disco rígido externo esperando por um novo propósito. Como resultado, tudo no disco parece muito pessoal pra mim. A maioria das amostras no disco, incluindo sons básicos de bateria, vem de alguém que conheço pessoalmente e com quem já trabalhei anteriormente.
F-se: Como músico contemporâneo, como você acha que os softwares recentes podem fluir junto com seu conhecimento técnico e teórico e levar adiante os limites musicais?
MJ: Espero que “Giant Beat” sirva como minha resposta a essa pergunta! Como disse, esse disco simplesmente não seria possível sem o Sensory Percussion, mas o Sensory sozinho é apenas uma ferramenta. Ele ainda exigia minha musicalidade e processo de tomada de decisões, aprimorando minha década anterior de tocar em muitas facetas da cena musical de Nova Iorque, bem como minha experiência como improvisador – todas as faixas eram performances de take único, sem overdubs etc., então a escuta profunda de momento a momento exigida de um bom improvisador certamente me ajudou quando eu estava acompanhando essas músicas por conta própria. Alguém me disse em um show, recentemente, que meu set era “música de 2019”, e isso me deixou feliz. Há muitas pessoas e bandas por aí que estão claramente fazendo algo que faz referência a uma era anterior, e eu estou mais preocupado em fazer músicas que só poderiam existir agora.
F-se: Você acha que essas ferramentas podem ajudar cada vez mais músicos solos a criarem seu próprio mundo sem, necessariamente, recorrer a uma banda? Quais são os atos solos que você segue que ressoam em sua paisagem sonora?
MJ: Claro que podem, mas também espero que as pessoas encontrem todos os tipos de usos pra isso. Meu próximo objetivo é fazer um álbum que utiliza outros músicos interagindo com o Sensory Percussion, e atualmente uso o Sensory nas bandas em que estou – JOBS e Elder Ones, assim como o Chrome Sparks, da qual faço parte em show ao vivo. Embora tenha sido usado pra ter um projeto solo, e pra não ter que responder a outros membros da banda quando se trata de arranjos ou outra tomada de decisão, eu ainda vejo a música como um ato social (e, portanto, político). Não quero acabar só fazendo música solo. Eu valorizo minhas colaborações e meus amigos! Falando em amizades, os artistas solos que talvez tenham uma semelhança com o que estou fazendo incluem o já mencionado Booker Stardrum, Ian Chang e Greg Fox, todos os quais tenho a sorte de considerar amigos.
F-se: Deve tomar muito tempo trabalhando com a Sensory Percussion, você acha que isso exige um senso de pré-composição mesmo antes de suas performances ao vivo improvisadas?
MJ: A maior parte do tempo que gasto trabalhando com o Sensory Percussion é no teclado/mouse, sem baquetas nas mãos. Há muito tempo gasto na montagem de um kit que pode funcionar como um mundo musical, ou “peça”, quando tocado de uma determinada maneira. Uma vez que eu tenha algo que está se tornando distinto, vou começar a brincar com ideias de bateria, e então isso me levará a querer ouvir algo que ainda não tenha sido criado, então tenho que voltar pro computador e criar algo. Então, volto à bateria pra brincar. E ouvir outra ideia que ainda não está lá. Daí, de volta ao computador pra trabalhar nela. E assim por diante. Quando me apresento, sei mais ou menos como a peça vai, embora, como você diz, sempre existam momentos de improvisação. Além disso, como sou eu, sempre tenho a opção de escolher um capricho pra tocar algo totalmente diferente, que eu estive explorando em minha recente turnê solo.
F-se: Como o seu corpo “se conecta” com o kit como sua própria extensão rítmica?
MJ: Sinto essa fluência crescendo o tempo todo. Com a Sensory Percussion, meu corpo se conectou com o kit através de prática, prática e prática. E, claro, isso ainda é essencial. Mas agora há todo esse outro caminho mental que está ficando mais forte o tempo todo, de como aproveitar o software em uma performance pra criar mundos musicais ricos que são mais do que eu expressando os ritmos do meu cérebro e do meu coração. Assim como qualquer outro instrumento, a conexão acontece entre Cérebro, Coração e Alma, ou Mente/Corpo/Espírito. Por causa disso, aprender a Sensory quase parece aprender um instrumento totalmente novo.
F-se: Como foram os samples obtidos pra este projeto?
MJ: Abordei isso na minha resposta à segunda pergunta. Limitei-me a samples que tive a liberdade de usar porque me foram dadas por amigos e colaboradores. Isso também criou um parâmetro emocional, já que eu inconscientemente conectei a amostra com a pessoa que deu a mim ou quem fez isso ou de quem é a voz, e meus sentimentos sobre eles e nosso relacionamento começariam a guiar o fluxo de criação da peça em um todo.
F-se: Você acha que seus próximos projetos estão indo na mesma direção que o “Giant Beat” ou você está procurando surpresas fora do cenário que podem, de alguma forma, otimizar este conceito?
MJ: Sempre procurando por surpresas! Foi interessante fazer uma turnê solo recentemente. Lancei o disco em março deste ano, mas realmente finalizei o set no outono de 2018. Então, pra fazer uma turnê cerca de nove meses após a música estar completa, fiquei muito tentado a fazer um set de músicas novas porque eu não queria correr o risco de me entediar. Descobri que tocar música antiga pra novos públicos era o suficiente pra me manter animado e interessado (o que é semelhante a todas as bandas em que eu já estive – estamos prontos pra tocar uma música de quatro anos que tocamos trezentas vezes, se o público nunca ouviu isso). Acabou sendo uma mistura de coisas do disco e coisas que eu ainda não gravei. Como mencionei antes, estou muito empolgado pra tentar trabalhar com outros instrumentistas no meu próximo disco.
F-se: Existe, de certa forma, uma espécie de “medo” de se tornar dependente demais dessas novas ferramentas criativas? Em caso afirmativo, é o mesmo tipo de medo que os músicos inovadores têm de se tornar previsíveis demais?
MJ: Não há realmente nenhum medo pra mim, no que diz respeito à Sensory Percussion e a fazer música em geral. Talvez o medo de conseguir pagar o aluguel em um determinado mês. Mas por outro lado, apenas amor e excitação e inspiração. Quanto ao medo da previsibilidade, eu sempre tentei confiar em meus instintos e, se isso me leva a um lugar em que já estive muitas vezes, provavelmente deveria tentar remixar as coisas.
F-se: Pra mim, parece que algumas “comunidades on-line” estão fazendo o trabalho que algumas antigas casas fizeram, como reunir pessoas e outras coisas. Há algum tipo de “perigo” nisso? Quer dizer, da maneira que as pessoas ficarão restritas apenas aos seus gostos formativos, fechadas em fóruns online?
MJ: Esse perigo existe, claro. Estamos todos muito mais em nossas bolhas de cultura, e pensamos no que isso atrai especificamente pra nós em uma base individual, do que as pessoas experimentaram nas gerações passadas. Mas, ao mesmo tempo, por causa da Internet, eu sinto que tenho experimentado um crescimento na comunidade com a qual eu me envolvi em tempo real, na vida real, nos shows e em um círculo cada vez mais amplo de amigos que pode começar on-line, mas geralmente fica off-line.
F-se: Muitos bateristas estão fazendo grandes coisas e com certeza tem a ver com esses novos equipamentos eletrônicos que os ajudam a preencher algum tipo de vazio em seus trabalhos. Você acha que o público, por outro lado, ainda não aderiu totalmente a essa nova forma de consumir música?
MJ: Eu acho que a forma de consumir música continua a mesma, mas sim a tecnologia pra criar e entregá-la mudou. Mas ouvidos e corações são os mesmos. E eu estou quase certo de que a maioria dos ouvintes de música não se importa ou pensa muito sobre como o que eles estão ouvindo foi feito. Mesmo como músico, muitos dos meus álbuns favoritos de música eletrônica permanecem totalmente misteriosos pra mim sobre como foram criados. E eu estou bem com isso. Eu li uma vez que Tom Jenkinson (Squarepusher) escreveu seu próprio software que ele usou pra fazer sua música. Nos anos 90! Isso pode ser levemente fascinante pra algumas das pessoas que estão por aí, mas eu não acho que a maioria das pessoas que dançariam com sua música em um clube até as nove da manhã se importassem muito com a maneira como ele faz isso. Há todos os tipos de formas de fazer música e algumas pessoas acompanham a tecnologia e algumas pessoas escrevem músicas geniais com seis cordas ou oitenta e oito teclas, o que pode ser considerado “low tech” perto da Sensory Percussion. É realmente sobre a experiência de ouvir, pra mim, e sentir essa conexão emocional com o resultado. Mas as emoções são muito misteriosas e as minhas se conectam com todos os tipos de coisas estranhas. Ressoa em algum nível, com o corpo, a mente ou o espírito? Eu acho que é o que a maioria das pessoas ouve, mesmo sem perceber. Esse é um processo antigo até em que eu sei.